Vanessa Jung – Full Steel

S. Deutsch September 25, 2026 14 Minuten zu lesen

WO DIE GITARRE DAS WORT ÜBERNIMMT

Eine Pressung hat den Mix zu tragen, den man ihr anvertraut, und dieser hier verlangt ihr besonders viel ab: Er wurde an den Reglern einer Analogkonsole geformt, die man nach dem letzten Handgriff verstellte, sodass er sich nicht mehr genau herstellen lässt. Bringt die Platte diesen einen Mix ohne Verlust in die Rille? Kann eine Gitarre auf einem Album, das bis auf ein einziges Stück ohne Gesang auskommt, übernehmen, was sonst eine Stimme leistet, und was bewegt eine Gitarristin, ihre Riffs ohne Worte auf Vinyl zu bringen? Wie viel vom gemeinsamen Spiel einer Band im selben Raum übersteht den Weg über Mischpult und Presswerk bis zur Nadel?

Auf einer Veranstaltung von Sound.In.Grooves lernte ich die Wiesbadener Gitarristin Vanessa Jung und ihren Vater kennen, und sie hatte eine White-Label-Pressung ihrer Musik bei sich. Über den Klang ließ sich dort nichts sagen, denn weder die Hörumgebung noch die Stereoanlage erlaubten ein Urteil: Verdeckungseffekte und Raumeinflüsse legten sich über das Musiksignal und verfälschten es. Was diese Musik klanglich zu bieten hat, musste sich an einem anderen Ort erweisen.

TECHNISCHE DATEN

Künstlerin / Album: Vanessa Jung – Full Steel
Label: Vanessa Jung Records (Eigenverlag, Labelcode 103421)
Katalognummer: nicht bekannt
Aufnahme: März 2025 (Basic Tracks) und einige Wochen später (Lead-Gitarren, Gesang), Eckton Studios, Holzhausen im Taunus
Erscheinungsjahr Original: 2026 (4. September 2026)
Erscheinungsjahr diese Pressung: 2026 (Erstauflage)
Presswerk: Optimal Media
Produzent: Vanessa Jung und David Lippert
Mixing: David Lippert (analog an der Konsole, Hybrid-Verfahren)
Mastering: Tristan Eck
Second Engineer: Theodor Henn
Schnittquelle: nicht bekannt
Vinylgewicht: 180 g
Drehzahl: 33 1/3
Mono / Stereo: Stereo
Format: LP
Auflage: Erstauflage von 300 LPs, daneben 300 CDs und 20 White-Label-Pressungen
UVP: 30 € (LP), 40 € (White Label)
Besetzung: Marc-Kevin König (Schlagzeug), Joshua Hoffmann (Bass), Vanessa Jung (Rhythmus- und Lead-Gitarre), Josefin of Stealth Kid (Gesang in „Child of the Night“)
Titelliste Seite A: 1. Astronomy Lessons, 2. Real Time, 3. Mobula Ray, 4. Lights Out
Titelliste Seite B: 5. It Lives!, 6. Yllon, 7. Child of the Night, 8. Full Steel

KÜNSTLER, ALBUM UND EINORDNUNG

Im örtlichen Vinyl-Antiquariat, in das sie ihren Vater schon im Kinderwagen begleitete, nahm Vanessa Jungs Verbindung zur Schallplatte ihren Anfang. Später saß sie beim Spielen im elterlichen Wohnzimmer vor Regalen voller Platten, in denen Metallica neben AC/DC und Iron Maiden stand, und daheim wie im Auto lief alles querfeldein, vom Rock bis zu Jazz und Klassik. Ihr erstes Album sollte deshalb unbedingt auf Vinyl erscheinen, doch bis dahin führte ein langer Weg, der mit einer Gitarre begann.

Mit sieben oder acht Jahren griff sie zur Gitarre, und als sie ungefähr zwölf war, fragte ihr Vater, ob sie es nicht einmal mit einer E-Gitarre versuchen wolle. Kurz darauf entdeckte sie Guns N’ Roses, und Slash wurde einer ihrer ersten Gitarrenhelden. Mit 13 stand sie zum ersten Mal auf einer Bühne, und über 300 Auftritte sollten folgen.

Ein Konzert von Animals As Leaders im Jahr 2016, in dessen Vorprogramm Plini spielte, führte sie in die moderne Instrumentalszene, mit der sie bis dahin kaum in Berührung gekommen war. Zwei Jahre später, 2018, begann sie in Mannheim das Studium an der Popakademie Baden-Württemberg, jener Hochschule, die 2003 als erste ihrer Art in Deutschland gegründet worden war. Im Bachelor wie im Master belegte sie das Hauptfach E-Gitarre, und sie war die erste Frau, die dieses Fach studierte, was sie selbst eher traurig findet.

Für die Bewerbung brauchte sie ein eigenes Stück, das gitarristisch mehr verlangte als ein Popsong, und weil sich keine Stimme fand, die zu ihren Riffs passte, schrieb sie es ohne Gesang. So entstand „Mojácar“, ihr erster Instrumentalsong, der auf diesem Album nicht zu finden ist.

Ihr Abschlusskonzert zum Master war als Durchquerung verschiedener Lebensräume angelegt, und hinter der Band stand für jedes Stück ein eigenes Backdrop. Den Weltraum wies sie „Astronomy Lessons“ zu, die Weiten des Ozeans „Mobula Ray“, das Titelstück „Full Steel“ führte in die Wüste, „It Lives!“ in den Dschungel und „Child of the Night“ in eine Großstadt bei Nacht. „Lights Out“ und „Real Time“ kamen erst nach diesem Konzert hinzu.

2022 erschienen ihre ersten drei Singles, „Mojácar“, „Shakespeare Avenue“ und „Carved in Stone“, jede von einem Musikvideo begleitet, und parallel dazu stellte sie eine Live-Band zusammen. Anfang 2023 folgte der erste Auftritt, und seit 2024 spielt die Band in ihrer heutigen Besetzung: Marc-Kevin König am Schlagzeug, Joshua Hoffmann am Bass, David Lippert an der Rhythmusgitarre und Vanessa Jung an der Leadgitarre, bei einzelnen Auftritten ergänzt durch Josefin of Stealth Kid, die „Child of the Night“ als Gastsängerin singt.

Im März 2025 bezog die Band für zwei Tage die Eckton Studios in Holzhausen im Taunus, ein Haus mit zwei Regien und vier Aufnahmeräumen auf 400 Quadratmetern, das selbst Chöre und Bigbands aufnehmen kann. Schlagzeug, Bass und Rhythmusgitarre spielten dort gemeinsam ein, statt Instrument um Instrument nacheinander, sodass die Musiker sich sehen und aufeinander reagieren konnten. David Lippert, der live die Rhythmusgitarre übernimmt, saß im Studio am Mischpult, die Rhythmusgitarre spielte Vanessa Jung selbst, und Theodor Henn half als zweiter Toningenieur beim Aufbau und Stellen der Mikrofone. Erst wenige Wochen später folgten in einer zweiten Session von zwei Tagen die Leadgitarren und der Gesang von „Child of the Night“.

Wer als Produzent dieses Albums gelten darf, beschäftigte Vanessa Jung ernsthaft, denn das Wort trägt zwei Bedeutungen. Im klassischen Sinn ist Produzent, wer ein Album finanziert und organisiert, und das war sie, während man heute unter dem Wort eher die Person versteht, die die Audioproduktion durchführt, und diese Aufgabe lag vollständig bei David Lippert. Deshalb gelten beide als Produzenten. Ihr Ziel war ein Klang, der roh und organisch wirkt statt glattpoliert und steril, und der Ansatz, gemeinsam im Raum zu spielen, gilt ihr auch als Gegenposition zu dem Trend der letzten Jahre, immer perfekter und maschineller auf dem Raster zu spielen.

Die Rhythmusgitarren der Basic Tracks liefen zunächst über einen Fractal FM3. Die Leadgitarren, zu etwa gleichen Teilen auf einer Ibanez AR420 und einer Schecter Hellraiser C-1 gespielt, gingen in einen BluGuitar Amp1 im Classic Channel, der an einer Orange-Vierfachbox in einem eigenen Raum sehr laut gefahren und ganz gewöhnlich mit Mikrofon abgenommen wurde. Mit wenigen Ausnahmen schickte David Lippert danach auch die Rhythmusgitarren noch einmal durch diesen Verstärker, sodass auf dem fertigen Album überwiegend der Amp1 dominiert. Für einige Clean-Parts kam eine Stratocaster hinzu, die im Studio stand, weil die anderen Gitarren die klaren, glänzenden Höhen nicht in derselben Form lieferten.

Am 4. September 2026 erschien „Full Steel“, und einen Tag später folgte das Release-Konzert in der Romanfabrik in Frankfurt. Ohne Plattenfirma im Rücken plante Vanessa Jung das Album in Eigenregie, und sie beschreibt es als Low-Budget-Produktion, was den Blick auf die Pressung umso neugieriger macht.

DIESE AUSGABE

Unter den zwanzig White-Label-Pressungen, die neben 300 LPs und 300 CDs die Erstauflage bilden, befindet sich eine, die ich gekauft habe, weil mich die Musik vor Ort sofort gepackt hatte: treibende Kraft, wohin ich auch hörte. Die Platte, um die es hier geht, liegt mir als Rezensionsexemplar vor, und eine geschäftliche Verbindung zu Künstlerin oder Label besteht nicht.

Vanessa Jung Records heißt das Label, unter dem die Platte erscheint, und gepresst wurde sie bei Optimal Media in Röbel an der Müritz, einem Werk, das 1991 den Betrieb mit CDs aufnahm, seit 1995 auch Schallplatten fertigt und alle Arbeitsschritte der Vinylherstellung unter einem Dach vereint. Das Mastering besorgte Tristan Eck, der Leiter der Eckton Studios, in denen das Album aufgenommen wurde.

AUSSTATTUNG

Von der Hülle bis zur Nadel führt der Weg der Hand, und er beginnt bei einer Ausstattung, die dort schlicht bleibt, wo Aufwand ins Auge fiele, und dort Sorgfalt zeigt, wo sie der Scheibe dient. Das Cover, welches Luise Anna Heinig gestaltet hat, trägt eine rostige Lokomotive als Fotografie in der Wüste und gibt der Hülle damit eine eigene Handschrift, doch es kommt ohne Gatefold und ohne Prägung aus und bleibt ein einfaches Cover, dessen Ausführung keinen besonderen Aufwand verrät.

Zieht man die Scheibe heraus, schützt sie eine gefütterte Innenhülle, die ihre Aufgabe ohne Einschränkung erfüllt und die Oberfläche vor Kratzern bewahrt. Eine bedruckte Innenhülle ist leider nicht im Lieferumfang enthalten. Ein einzelnes, beidseitig bedrucktes Blatt ersetzt das Booklet, man wendet es einmal, und schon hat man Dankestexte und Credits samt dem Songtext von „Child of the Night“ vor sich, dazu Pressefotos von Bjarne Stahmer und Bilder der einzelnen Musiker. Fotos aus der Aufnahmesession, deren gemeinsames Spiel im Raum das Album ausmacht, sind leider nicht im Lieferumfang enthalten, weitere Beilagen ebenfalls nicht.

MATERIAL QUALITÄT

Wer die Scheibe aus der Innenhülle zieht und prüfend in der Hand dreht, hält ein Stück Vinyl, das im Ganzen ein gutes Urteil verdient und an einigen Stellen den prüfenden Blick nicht ganz besteht. Die Kanten sind nur mit Einschränkungen abgerundet, und die Scheibe zeigt eine Schüsselung, die geringfügig bleibt, sodass beides das Bild einer sonst sauber gepressten Platte nur mäßig trübt.

Auf dem Teller sitzt sie trotz eines minimal zu großen Mittellochs überzeugend zentriert. Setzt die Nadel in der Rille ein, bleiben geringe Rückstände an ihr zurück, und ein dezentes Grundrauschen begleitet die Musik, aus dem sich sehr selten ein Tick oder ein Plop löst. Wie viel die Musik davon unberührt lässt, zeigt das Klangkapitel.

KLANGQUALITÄT

Senkt sich der Tonarm in die erste Rille, spannt sich vor mir eine Bühne von auffallender Breite. Die beiden Rhythmusgitarren stehen links und rechts, Leadgitarre und Bassgitarre halten die Mitte, und das Schlagzeug erscheint aus der Sicht seines Spielers: Die Snare liegt in der Mitte, die Hi-Hat halb links, das Standtom rechts, das Ride-Becken halb rechts, und die Crash-Becken öffnen sich nach beiden Seiten. Gerade diese Breite bereitet mir Mühe, denn das Schlagzeug ist mir zu weit aufgezogen. Ich möchte den Trommeln gegenübersitzen statt auf dem Hocker des Schlagzeugers, und eine kompaktere Darstellung stünde der Aufnahme besser zu Gesicht. Wie sich die einzelnen Trommeln in diesem weiten Feld behaupten, zeigt sich am deutlichsten bei den Toms.

Bei den Toms lässt die Schärfe der Abbildung nach. Sie stehen halb links und halb rechts, doch ihr Ort lässt sich nur ungefähr bestimmen, während die übrigen Klangquellen ihre Plätze mit deutlich größerer Bestimmtheit halten. Umso auffälliger wirkt diese eine Unschärfe, weil die Abbildung sonst klar überzeugt und der Räumlichkeit, in der die Breite der Trommeln des Guten zu viel liefert, deutlich voraus ist. Ob die Frequenzen ebenso sicher stehen, zeigt das zweite Stück.

Im zweiten Stück, „Real Time“, geben Schlagzeug und Bassgitarre den Blick auf eine kleine Unebenheit frei: Im Übergang vom Oberbass zu den unteren Mitten liegt ein schmaler Frequenzbereich, der eine Spur zu betont ist, und an diesen beiden Instrumenten lässt er sich am besten verfolgen. Alles Übrige ordnet sich so ausgewogen über das Frequenzband, dass die Tonalität zu den deutlichen Stärken der Platte zählt, gemindert nur um diese eine Zone. Ob sie auch bei hohem Pegel Haltung bewahrt, wird das Ende der zweiten Seite zeigen.

Schlägt die Snare an und folgen die Toms, bleibt die letzte Vehemenz aus: Wo die Musik ein Fortissimo verlangt, erklingt ein Mezzoforte. Dem Schlagzeug fehlt der finale Druck, und wenngleich die Dynamik im Ganzen weitgehend überzeugt, sitzt ihr Abstrich genau dort.

Bei den Saiteninstrumenten steht weniger die Kraft als die Zeichnung im Blick. Der Bassgitarre fehlt ein wenig Kontur, der Gitarre stünde mehr Griffigkeit an und eine schärfere Linie, und die Basswiedergabe im Ganzen bleibt gut, ohne schon alles einzulösen. Dass in ihr mehr steckt, deutet sich erst gegen Ende an.

Über der gesamten Aufnahme liegt ein Schleier, den ich als Zuhörer gern wegziehen würde, um klarer auf die Musik zu sehen. Detailgrad und Durchhörbarkeit halten sich auf solidem Niveau, ebenso die Mitten und die Höhen, doch in keinem dieser Felder erreicht die Aufnahme jene Klarheit, nach der ich mich sehne. Dann wende ich die Platte, und die zweite Seite hält eine Stimme bereit.

Im siebten Stück, „Child of the Night“, tritt erstmals eine Stimme hinzu, die der Gastsängerin, und sie steht in der Mitte. Gegen Ende des Stücks gesellt sich eine Akustikgitarre dazu, die schon im Demo enthalten war und der Vanessa Jung eine kleine Lagerfeueratmosphäre verdankt. Die Stimme selbst überzeugt mit kleinen Einschränkungen, und nach ihr bleibt nur noch ein Stück.

Am Ende der zweiten Seite, im Titelstück „Full Steel“, ordnet sich alles neu. Das Basssolo tritt zusammen mit dem Schlagzeug hervor, und die Bassgitarre gewinnt jene Kontur, die ihr zuvor gefehlt hat. Setzen dazu die dreckigen Gitarrenriffs ein, verlangt die Musik von mir mit Nachdruck, ich möge lauter drehen, und der Pegel darf steigen, weil die Tonalität auch bei hoher Lautstärke Haltung bewahrt. So erreichen Bass, Schlagzeug und Gitarren zum Ende des Erstlings jenen rauen, energiegeladenen Charakter, den die Musik von Beginn an verspricht.

MUSIKALISCHE EINORDNUNG

Die Gitarre übernimmt auf dieser Platte die Rolle des Gesangs, und die Stücke sind gebaut wie Lieder: Strophe, Refrain und Pre-Chorus, eine Bridge und danach das Solo, so wie Vanessa Jung sie im Kopf hat, während ein prägnantes Anfangsriff meist den Ausgangspunkt ihres Songwritings bildet.

Zwischen klassischem Rock und moderner Instrumentalmusik bewegt sich ihre Musik, und zu den Vorbildern, die sie in eine eigene musikalische Sprache übersetzt statt sie zu zitieren, zählen neben Slash auch Gary Moore. Statt auf extreme Technikdemonstration setzt sie auf songdienliche Virtuosität, und das Höher, Schneller, Weiter der Instrumentalszene liegt ihr fern. Stücke, die langsam beginnen und sich hinten hinaus steigern, mochte sie schon immer, und im Titelstück wandelt sich unter demselben Riff der Groove des Schlagzeugs und mit ihm die ganze Stimmung, eine Idee, die sie von Pantera kennt.

BEWERTUNG

Wägt man diese Platte in ihren Teilen, so liegt das größte Gewicht auf dem Klang, und sein Urteil fällt überwiegend lobend aus, mit klar benannten Grenzen. Tonalität und Abbildung stehen an der Spitze und tragen das deutlichste Lob, während Räumlichkeit, Dynamik und Auflösung ebenso wie Bass, Mitten und Höhen auf gutem Niveau bleiben, gebremst von einem Schlagzeug, dem es an Zurückhaltung in der Breite und an letztem Druck mangelt, und von einer Aufnahme, die ihre volle Klarheit noch nicht erreicht. Das Vinyl folgt dem Klang auf gleicher Höhe, denn seinen guten Anlagen stehen kleine Abzüge gegenüber. Die Ausstattung bleibt dahinter zurück, weil sie schlicht gehalten ist und allein in der gefütterten Innenhülle vollen Beifall verdient. So entsteht das Bild eines Erstlings, der überwiegend gut gelungen ist und dessen Einschränkungen sich klar benennen lassen.

FAZIT UND KAUFEMPFEHLUNG

Am Anfang stand die Frage, ob die Pressung dieses nicht wiederholbare Klangbild ohne Verlust trägt, und die Antwort lautet: sehr viel davon, wenn auch nicht alles. Die Gitarre trägt die Stücke ohne Stimme, und im Titelstück liefert sie den Beweis. Was Vanessa Jung bewegte, ihre Riffs ohne Worte auf eine Platte zu bringen, beantwortet das Album selbst: Es klingt handgemacht und energiegeladen, mit dem Atem einer Band, die im selben Augenblick zueinanderfindet. Musikalisch hat sie mich, ich bin Fan, und vor dieser handgemachten Musik ziehe ich den Hut.

Ich hoffe, dass diese Platte erst der Anfang war, dass das nächste Album sämtliche Einwände hinter sich lässt und wie Metallicas Black Album zu einem klanglichen Manifest der Rockgeschichte wird, denn weniger traue ich dieser talentierten Band nicht zu. Bis dahin empfehle ich die LP zur unverbindlichen Preisempfehlung von 30 Euro allen, die Rockmusik ohne Politur schätzen, und rate zu einer großzügigen Hand bei der Lautstärke. Wer ein Schlagzeug von letzter Wucht und einen völlig klaren Blick auf die Aufnahme verlangt, sollte hineinhören und dann entscheiden. Sollte das nächste Album tatsächlich meine Kritikpunkte erledigen, werde ich selbstverständlich behaupten, ich hätte es der Band ins Studio diktiert, denn die Inanspruchnahme fremder Verdienste gehört zu den ältesten Gepflogenheiten meines Berufsstands.